国产文艺片，拍的不错，但是选材不受大众青睐，观众要不要支持？

文艺片导演要有跟观众较劲的勇气

上映的文艺片《路边野餐》获得业内一致好评

同样于今年上映的文艺片长江图引起了较大争议,批评声音中占主流的观点即指该片“看不懂”。

长春电影节,受邀参与了一场论坛,主题是文艺片观众看不懂,导演有责任吗,我的立场很鲜明:文艺片导演没责任让作品被所有观众都看懂。
这场论坛的主题很明确地把讨论对象限定在了文艺片身上。如果是商业片,就不存在讨论价值,因为商业片毫无疑问是要争取让所有观众都看懂的,商业片的属性也决定了要迎合观众、迎合市场,否则就会失去它的娱乐价值并继而失去它的商业价值。商业片让观众看不懂,带来的最直接损失就是票房失败,这是出品方和创作者不愿意看到的,所以,让观众看懂就成了制片人和导演一致努力的方向。

文艺片却不一样。商业片注重娱乐表达,而文艺片则要有一定程度的思想表达,缺乏了思想表达的文艺片不是真正的文艺片。可能会有人认为,文艺片一样可以“文商结合”,拍得像商业片那么好看,比如烈日灼心、白日焰火,但剥离掉它们的娱乐看点,会发现这两部电影的最大价值体现,还是藏在故事深处的冷峻、坚硬的文艺内核。如果这两部电影的导演放弃了自己的文艺追求,争取让所有说看不懂的观众都看懂,就要牺牲掉电影里那些含蓄甚至有点晦涩的手法,导致影片的整体质量有所下降。

从创作的角度来看,捍卫文艺片导演没责任让作品被所有观众看懂的权利,即是捍卫导演创作的最大自由度。如果一位导演创作的时候,内心总想到投资人的钱收不收得回来、观众看不懂会不会骂、以后还有没有机会继续拍电影,那么导演势必会做出妥协,牺牲掉自己的个性,努力与大众审美接壤,这也势必会给导演的创作激情降温。如果一位导演拥有了外部环境给予的“创作自由”承诺,他们就会尽最大可能地释放自己的个性与激情,创造出伟大的电影。昆汀和伍迪·艾伦就是具有代表性的例子,他们的电影的特色之一就是维护了自己创作时的任性,他们才不会管一部分观众会不会理解透,他们最大的创作态度就是,自己拍高兴了,观众才会看得高兴。

我们有自己的反面例子,在陈凯歌拍《霸王别姬》、张艺谋拍《活着》的时候,他们是不会考虑观众看不看得懂的,当时的社会环境、创作环境以及市场环境,都没有对导演提出必须要让观众看懂的要求,所以他们的现实批判主义才能够最大程度地通过电影传达给观众。后来陈凯歌为了让观众都看懂拍了搜索,张艺谋为了让观众都看懂拍了三枪拍案惊奇,观众买账了吗?并没有。相反还把两位导演骂得狗血喷头。原因很简单:观众是用来征服的,而不是用来迎合的。如果把让观众都看懂作为一种迎合方式,那么事实会证明这是最大的失败。

电影发展到今天,应该认真去思考一下电影存在的最大意义是什么。商业电影作为一种产品,它的娱乐功用在当下已经被体现得淋漓尽致,也被挖掘到底,再无提升的空间。商业电影的故事类型和叙事风格,包括商业电影的技术运用,都达到了顶点。那么,观众对商业电影满意了吗?并没有。好莱坞模式已经被美国观众厌恶,中国观众对好莱坞的喜爱程度也在持续下降,这几年中国观众对原创性很强的国产片的支持,就充分体现出这一点。欧洲的观众,早已不吃好莱坞那一套。未来电影的出路,不在于商业化,而在于向文艺的回归。

电影的发明,最早是作为一种新生事物被看待的,人们对活动的影像出现于银幕之上抱有极大的好奇心。而商业片发展到顶峰,已经透支了这份好奇心。当电影的娱乐价值已经没有想象空间的时候,电影文艺价值的想象空间却仍然是无限的,电影作为思想的承载体,还有着无限的可能。无论是对人性的挖掘,还是对未来生活方式的展现,都必须通过文艺片来实现。因此,电影想要拥有发展的动力,就必须要承认导演的创作地位,要接受导演比观众更专业的事实,要维护导演在一部电影里融入让观众暂时看不懂的元素的权利。

支持，每一部片子出来，都包含着无数人的汗水，更何况还是在拍的好的情况下！

我的观点:不要支持。

国产文艺片，一直在夹缝中求生存。

为什么？

是制片公司一手造成的。

为什么国外“文艺片”受众面广？

（注意我加了双引号，因为所谓的文艺片，只有中国才存在）

因为他们无论是题材还是剧情，都做到了一波三折。

在我看来，国内的文艺片，颇有一种为赋新词强说愁的趋势。

导演知道自己在说什么吗？他不知道。

观众知道电影在说什么吗？也不知道。

这就导致这种类型的电影陷入了死循环。

曲高和寡，阳春白雪。

什么？你看不懂我的电影？对不起，你文凭不够，你读书太少，回去好好上学吧。

既然国内导演能生生造出一种新兴的电影类型，那我相信，他们一定有能力解决好自己的问题的。

什么？还是没人看？

没事，加油加油加油哦！

但是我不看。

萝卜青菜各有所爱，我觉得不同的人都是有自己独特喜欢的题材，就算没有大部份的人支持，只要在那小块地方做的够好，观众也是会支持的。

国产文艺片电影当然的支持啊，观众看后才能对期进行评论，以后才有进步的可能啊！

成龙

国产影片主要就是太杂乱无章了，在这个竞争激烈的年代，没有好的品质好的模式是不会有发现的，制作影片也是一样的，所以不萌盲目的只是去拍，要用心去拍

我个人感觉，文艺片和娱乐片价值不同，没有高低之分，

青年导演能认清市场的“围城”，但愤怒和焦虑不会解决问题。

文/七月

新导演走入市场。

其实从2018年左右开始，国内电影市场迎来了一批新导演逐渐崭露头角。特别是到了2019年，不少新导演在自己的处女作或者第二部作品中，实现了多元化的类型元素创作，并因此得到了行业和不少影迷的认可。

然而，更现实的问题在于，这些新导演以及他们带来的文艺作品陷入了一定的困局，即这种来自行业的肯定并不能直接转化成大众关注度、喜爱度，排片占比并不高。同时，能够在市场里取得亮眼表现的新导演少之又少，甚至票房500万左右成了一种“正常表现”。

在这些新导演身陷困局的背后可以看到的是，国产文艺片在传统院线发行时面临着重重的限制，即使影片的质量上乘，想要达到“破圈”的难度也不小。更不用说，不少观众常常止步于对文艺作品所拥有的较高观影门槛。

但通过与导演黄梓进行对话，可以在整个电影市场经历了疫情影响的大背景下，重新了解这些刚进入市场不久的新导演们。新导演对国产文艺片的院线发行抱有什么态度，以及对接下来类型化创作进行的更多思考，这些问题可能都有了新的答案。

1

—想通过院线发行

弱化“文艺片”标签—

大众的固有偏见。

对于往年的国产文艺片来说，走艺联发行可能是一个不错的选择。尤其是，想要求稳的青年导演的“第一次”或“前几次”创作。到了2020年，在疫情的“致命性”影响下，电影发行的“渠道革新”已然发生，一些文艺片则放弃了线下发行，直接登陆了流媒体平台。

直到目前为止，处于防疫常态化大背景下的国内电影市场尚未完全恢复，全国各地区仍有新增病例零星出现。从这个角度来看，青年导演的前期文艺作品无论是走艺联发行、还是登陆流媒体，似乎都是当下更稳妥的打法。

最终，黄梓还是选择了让小伟走传统院线发行的路径。对此，黄梓认为这跟自己坚持了创作初衷有很大的关系，“（传统院线）覆盖的受众范围会更广，我从一开始就希望能让更多的观众看到小伟”。同样的，传统院线发行的方式还能让他收到更多来自大众的真实反馈。

至于直接登陆流媒体平台，在黄梓看来，“观众很难坐下来、静下心一口气看完小伟，其实会很大程度上影响他们对这部电影的评价”。

不仅如此，黄梓意识到，“文艺片确实有一批更直接的受众群体”，但更多的观众听到“文艺片”三个字，脑海中首先蹦出来的是“观影门槛高、内容难懂、小众题材”等固有印象，进而不考虑观影，“走传统院线发行也有想要弱化这种标签的想法，不想先打上文艺片的标签再推广给大众”。

“文艺片是一个大的分类，其中既有很艺术表达、很前卫的作品，也有比较通俗、比较生活化的作品，还有介于两者之间的作品。希望大众不要把所有的文艺片都当作是，那种距离观众很远、拒绝与观众交流的影片。”

甚至在考虑改片名的过程中，黄梓也想过要不要给影片搭配一个更市场化的片名，“列表里有过例如如果离开不需要告别这种偏商业、青春伤痛文学的”。只是到了最后，黄梓还是决定用小伟这个片名来寄托自己对父亲的情感。

此外，在选择传统院线发行时，虽然小伟是一部粤语电影，黄梓并没有考虑过分区域发行的可能性。在黄梓看来，文艺片的受众主要还是在一二线城市，“你看小伟的路演集中在华南地区，但华东地区的票房成绩其实是更好的”。

2

—“行业认可你，

不代表更多观众能够喜欢”—

更内敛的大众联系。

实际上，总结这两年涌现出的优质青年导演的前几部作品可以发现，他们在进行传统院线发行自己的作品时，往往不会获得很高的排片率支持，或者上映首日的较高排片率到了次日有着不小的落差。

当然，市场“不友好”这一问题并不仅仅局限于刚进入市场不久的青年导演们，即使是万玛才旦、刘苗苗等这样有过海内外电影节提名嘉奖的知名导演也受到了同样的市场限制。

对于小伟这部影片来说，排片占比从上映首日的0.9%降至次日的0.1%，之后基本维持在0.1-0.2%的范围，黄梓自然是希望能够获得更多的排片支持，但他也能够接受影院最后给出了这样的结果。

在黄梓看来，“排片是很现实的问题”，影院一方需要考量的市场因素要多得多，“小伟确实受到了行业的认可，也有不少前辈、老师帮忙发声，但是这并不能影响了更多的观众去喜爱它、接受它”。

对于影片没能获得较亮眼的票房成绩，黄梓认为原因是多方面的。首先是内容层面的问题，黄梓觉得小伟虽然有“癌症家庭”这个比较有代入感的大众共鸣点，但影片并不是通过他们遭遇的苦难来只给观众悲伤或感动的情绪，而是更内敛、克制的表达，“讲的是这个家庭里的成员因为癌症所做的选择，可能真正看懂或喜欢影片的观众才更容易产生共情”。

包括改片名，黄梓认为也多多少少产生了影响，原本喜欢这部影片的一些原始影迷感觉片名改成小伟之后，影片就不再是原汁原味的那个慕伶，一鸣，伟明了，“他们心里产生了一些失落感”。

同时，黄梓通过小伟意识到，改片名并不仅仅属于创作范围，也就是说，需要让观众明确感知到这一动作的目的所在。“至少存在这样的问题，没有因为改了一个更容易让人记住的片名，而让这个片名达到更多、更广的范围。”

此外，黄梓还发现了一些其他方面的影响因素。小伟上映以来，黄梓的社交账号收到了不少信息来询问影片是不是有配音版本、时长变化是不是有删减。这些“误导”也一定程度上有所影响影片的市场表现。

3

—青年导演的类型化创作适应期—

必要的成长过程。

回看近几年整个电影市场的表现，从战狼2到哪吒，再到《流浪地球》，国产片的单片票房天花板不断被类型片突破，整体大盘也更依赖于类型片的发展，因此当下的市场对类型片的需求变高。

这某种程度上意味着，电影产业需要进入市场的青年导演能够在类型片填充市场上起到更多的作用力，即希望这些新导演更多的是有着强类型化素养的新人才。

对此，黄梓表示，类型化创作或者类型片创作是青年导演的必经之路，“我们处在这个行业、这个市场里，就需要去了解这个行业、这个市场”，经过多年发展的电影行业和市场有着自己的规律，“类型片可以说是整个行业对当下市场的最佳考量”。

“作为创作者，你可以有自我表达，但是你也需要适应市场规律。不是为了拍一部市场需要的电影而去创作，而是你对这个行业和市场有更多的了解，有助于你的创作、做一个更深入的自我表达。”

对于黄梓自身来说，他的下一部作品并不排斥任何的类型化创作或者类型片创作。只不过，在黄梓看来，他应该跟其他的青年导演一样，尚未培养出足够的类型化能力，可以在一次创作前清楚地划分这次创作属于什么样的类型化创作，“而是在自我表达的中后期，才能充分地了解到这次创作更匹配哪些类型元素”。

因此，从这个角度来看，受类型片熏陶的青年导演们进入了市场，想要更加快速地撑起类型化或类型片创作，需要接下来用一部一部作品扎扎实实地走出来。这并不是一个能够在短期内完成的成长过程。

诚如黄梓所说的，在这个成长的过程中，青年导演们肯定会出现一定的不适应性，遇到各种各样的问题，这需要行业和市场给予他们足够的时间和机会去磨合，“大导演走出舒适区的创作新尝试也可能无法一步到位，需要去适应、去摸索，更何况是新人”。

显然，新导演已经意识到如今市场和产业对他们有着怎样的需求，也意识到他们需要经历一段适应市场的必要时期。在更多的包容和等待之后，这股新导演力量定能“温暖”长期受疫情“冰冻”的行业和市场。

该支持还是要支持的

推荐几部国产文艺片吧

1-《立春》

很喜欢片中的一段台词：“立春一过，实际上城市里还没啥春天的迹象，但是风真的就不一样了。风好像一夜间就变得温润潮湿起来了。这样的风一吹过来，我就可想哭了。我知道我是自己被自己给感动了。”

2-钢的琴

不仅有王千源、秦海璐两大实力演员加持，而且构图精美、配乐悠扬、连打光也很有艺术感，这么好的片子在上映时却排片惨淡，令人叹息。

3-独自等待

准确来说这不能算做一部小众电影，不管十年前还是现在，夏雨+李冰冰的阵容都是妥妥地票房保证。只是现在各种“流量担当”的所谓青春爱情片实在让人失望，这样一部真诚不做作的老片子更显得珍贵了，必须拿出来安利一波。

根据个人喜好

首先我们必须清楚认识到一点，观众的眼睛是雪亮的，不会因为影视出处目的而去喜欢一部作品，就好比我们自己不会强迫自己吃不爱吃的食品，所以作为创作者只能努力的脑洞大开，去挖掘观众喜好，拍出优质作品，艺术没有国界之分，当下互联网，你若有好滴作品问世，在我们看不到想不到的地方领悟，会有很多人关注喜欢你，期待视频领域的创作者或影视大咖们，创作出更多更好的作品！

文艺片 拍的就是一种精神 中国人的精神 现在的孩子们都不怎么看这类题材的了 应该提倡 所以我支持

国产文艺片本来就少，当然支持了，

就想百鸟朝风就比较好，从民乐到西洋乐，从以前到现在，内容还是比较好看的。

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